domingo, 27 de julio de 2014

CLARO DE SOL PIERRE BONNARD

CLARO DE SOL 1923
Claro de sol
óleo sobre lienzo 63,2x 62,2 cm
Colección Thyssen Bornemizsa


Aunque se asimilación de las lecciones de Gauguin y su énfasis en la composición decorativa le distinguía de los impresionistas, con el tiempo Bonnard regresaría a ellos, en cierto sentido fue el último gran heredero del impresionismo hasta bien entrado el siglo XX. La tendencia radical de Matisse y sus fauves, primero y el cubismo después , alejaron a Bonnard de las tendencias de vanguardia, su pintura se hizo más atmosférica y más naturalista. Se acentuaron sus afinidades con Monet y sobre todo con Renoir con quien compartía el interés por el desnudo y la inclinación a disolver los bordes de la forma con pinceladas algodonosas. Desde la época de la Gran Guerra , Bonnard se convirtió para los aficionados y críticos de gusto moderado , en una suerte de antídoto de la acelerada experimentación de las vanguardias.
 
La constante dedicación de Bonnard a los paisajes se acentuó en la década de 1920. Buena parte de ellos fueron pintados en Normandia , en la casa que el pintor tenía cerca de Vermon. a orillas del Sena. Incluso cuando se instaló en Le Cannet,próximo a Cannes, siguió visitando cada año Normandia , cuya luz amaba especialmente . A diferencia de los impresionistas , Bonnard no pintaba sus paIsajes ante el motivo; trabajaba de memoria con la ayuda de dibujos y no tenía inconveniente en concluir en el Mediodia una tela iniciada en Normandia, mezclando sus impresiones del norte y del sur.
 
Este paisaje representa una vista del jardín de su casa de Normandia " Ma Roulotte " un jardín que crecía sin orden , en una profusión silvestre. En primer término avanza un camino serpenteante y en él , un gato que nos indica , con un toque de humor, la escala de los grandes árboles . Al fondo, entre la espesura, se distingue el río, un afluente del Sena que el pintor solía recorrer en barca.
 
Picasso que aborrecía la pintura de Bonnard , nos dejó una caracterización de ella que puede ser reveladora si la despojamos de su tono condenatorio. Bonnard, decía Picasso " nunca va más allá de su sensibilidad. No sabe elegir. Cuando pinta un cielo , por ejemplo, lo pinta primero aziul, más o menos , tal como es . Después lo mira un poco más de cerca y ve un poco de malva, entonces añade una pincelada o dos más de malva , sin comprometerse. Y luego se dice a si mismo que también hay un poco de rosa . Entonces no hay ninguna razón para que no añada también rosa. El resultado es un " popurri " de indecisión. Si está mucho rato mirando, acaba por añadir amarillo, en lugar de decidir de qué tono debería ser realmente el cielo . No se puede trabajar así. La pintura no es una cuestión de sensibilidad. Hay que usurpar el poder, ocupar el lugar de la naturaleza y no depender de las informaciones que te da " Picasso se refería también a la tendencia de Bonnard a rellenar toda la superficie de la tela , formando una extensión continua que tiembla imperceptiblemente , pincelada a pincelada, centímetro a centímetro, pero que está totalmente desprovista de contraste. El negro jamás se opone al blanco, ni el círculo al cuadrado, ni el ángulo agudo a la curva. En esta superficie extremadamente orquestada , que se desarrolla orgánicamente buscas en vano el golpe de címbalos inesperado de una violencia concertada ".
 
La indecisión que Picasso censuraba en Bonnard no era sino una forma extrema de fidelidad a la sensación, con toda su gama de matices delicados y cambiantes. Con este material impalpable , inconstante , creaba Bonnard un tapiz continuo ,sin costuras. en este cuadro, cuyo tema esencial es la riqueza de la vegetación , el tejido de hojas y ramas queda sugerido por el propio tejido sutil de pinceladas superpuestas y fundidas . Los toques difusos de blancos y amarillos señalan los reflejos de la deslumbrante luz solar y prestan a toda la escena un aire mágico.
 
Mercedes Tamara
27-07-2014

viernes, 25 de julio de 2014

DESNUDO ROSA DE HENRY MATISSE


DESNUDO ROSA 1935
DESNUDO ROSA DE HENRY MATISSE
óleo sobre tela 48x 92,5 cm
Baltimore, Baltimore Museum of Art






El erotismo que surgía con fuerza a partir del año 1930se convirtió para Matisse en un factor esencial en las obras posteriores. La identificación amorosa del pintor con la modelo en un sentido platónico , era para Matisse un presupuesto elemental del trabajo. "La relación , la parentela entre las cosas, es el idioma común :la relación para él, era el amor si el amor" . A diferencia de Picasso, Matisse no relacionaba el amor con la potencia sexual . Tenía que ver más con un sentimiento interiorizado que le desvele una visión positiva del mundo.


En 1935 Lidia Delektroskaja posó como modelo para Desnudo rosa . A pesar de tratarse de un formato de reducidas proporciones,ofrece una impresión de monumentalidad . El margen de la tela recorta brazos y piernas aunque éstos aparezcan cruzados . 


Aquí Matisse invita al espectador a traspasar con sus fantasías los limites del cuadro . El pintor se ha acercado a la modelo tan cerca como si quisiera realizar un primer plano .El entorno ha quedado reducido a una simple pared de fondo para el desnudo.


Se ha eliminado todo indicio de perspectiva, el fondo se ha convertido en un mero motivo motivo y la figura en un símbolo del cuerpo humano . El desnudo está caracterizado por su gran nitidez gracias a haberse exagerado los brazos y las piernas, la frontalidad de la cabeza y la insinuación de los pechos .


Con extrema simplicidad equipara las formas orgánicas y geométricas , superficiales planas y estructuradas , lineas fluctuantes y rectas , tonalidades frías y cálidas .


El cromatismos de textura mate , seca, que lo mezcla fijamente con la pintura de fondo , recordando los frescos en una pared revocada. El propio Matisse se refiere " a la bella opacidad " una de las principales características de la pintura mural.

Mercedes Tamara
25-07-2014

jueves, 17 de julio de 2014

PUERTO DE CAMARTE EUGENE BOUDIN

PUERTO DE CAMARTE 1877
Puerto de Camaret
Puerto de Camaret
óleo sobre lienzo 55,5X 89,,5 cm
Paris, Museo de Orsay





Boudin acude para pintar a Camaret, en Bretaña, cada año de 1870 a 1873 y posteriormente realiza aquí algunas estancias episódicas. Se dedica a plasmar la luz del puerto, su atmósfera nublada y móvil, tersa y cambiante. Aquí, la claridad de las casas, enfocadas con violencia, se opone al aspecto oscuro del mar y de los veleros.

Fiel a su apodo de "rey de los cielos" que le otorgó Corot, Boudin reserva el mayor espacio al cielo y a las nubes. El artista, por otro lado, tiene costumbre de estudiar detenidamente estos elementos al pastel y habla de ello en sus apuntes: "Nadar en el cielo; llegar hasta la "ternura" de la nube. Suspender estas masas en el fondo, muy en la lejanía en la bruma gris...".

Un agua a penas arrugada por la brisa marina refleja el movimiento del cielo. Los reflejos fugaces y flotantes están sugeridos mediante una pincelada ligera, en una armonía matizada de tonos de grises, azules y verdes. Finalmente, solo la presencia de los pescadores, cuyas siluetas se destacan en contraluz,  proporciona un contrapunto a la inmensidad de los cielos.

Mercedes Tamara
17-07-2014

miércoles, 16 de julio de 2014

BAÑISTAS EN ASNI8ÈRES GEORGES SEURAT

BAÑISTAS EN ASNI8ÈRES 1804
Bañistas en Asnières
óleo sobre lienzoi 201 x300 cm
National Gallery, Londres

Las imágenes de trabajadores humildes solían ser más comunes en pinturas de género de pequeño formato, pero en este primer trabajo a gran escala de Georges Seurat ( 1859-1891) estos sencillos trabajadores relajándose al sol junto al Sena ostentan una monumental grandeza subversiva. 

El Salón de París de 1884 rechazó la obra que, en su lugar , se expuso en el Salón de los Independientes, organizado por Seurat y otros artistas. Seurat fundó el neoimpresionismo , término acuñado por el crítico de arte Felix Fenéon ( quien compró este cuadro para definir el movimiento artístico que provenía del impresionismo pero que también reaccionaba contra el mismo.

Los artistas impresionistas y neoimpresionistas se asemejaban por ejemplo en el interés por la luz y el color o en el hecho de que pintaban la vida moderna. Pero mientras que los primeros como Monet intentaban capturar el momento fugaz, Seurat se esforzaba por plasmar un momento convertido en eterno. La geometría formal y la quietud de este cuadro recuerdan a la pintura del maestro renacentista Piero della Francesca. Fascinado por las teorías contemporáneas sobre el color, Seurat desarrolló una técnica denominada puntillismo, consistente en aplicar cuidadosa y sistemáticamente pequeños puntos de color puro sobre el lienzo, de tal modo que es la mirada del observador la que mezcla y funde los colores.

Esta técnica ha sido empleada en varias zonas de la tela, como en el gorro rojo del bañista situado en primer plano. La técnica fue adoptada por los pintores Paul Signac y Camile Pissarro e influyó en otros artistas como Vicent van Gogh.


Mercedes Tamara
16-07-2014

lunes, 14 de julio de 2014

DESNUDO AZU LIII HENRI MATISSE

DESNUDO AZULIII HENRI MATISSE


DESNUDO AZUL III 1952-1953
Desnudo azul III
guache sobre papel 113x 73
Musée National d´Art Moderne , Paris







La serie " Desnudos azules " compuesta por cuatro obras y creada por Henri Matisse ( 1869- 1934)  durante el período comprendido entre 1952 y 1954 surgió de una combinación de tradición y experimentación. Desnudo azul III representa  un paso hacía la abstracción , si bien aún se reconoce la forma humana. El color azul significaba distancia y volumen para Matisse .




Fustrado en sus tentativas de conseguir maridar tonos dominantes y contrastados , el artista utilizó al principio bloques de color sólido de un único tono. Las formas recortadas y pintadas de guache que componen la serie "Desnudos azules "se inspiraba en la colección de escultura africana de Matisse y en una visita que realizó a Tahití en 1930. Tras veinte años, Matisse sintetizó aquellas influencias en esta serie.




El artista descubrió en el proceso de ensamblar formas recortadas de guache pintando una técnica mucho más manejable que la de trabajar directamente con pintura sobre el lienzo. Denominó a este proceso " Dibujo con papel " y la definición de la figura se encuentra en los intersicios de los recortes. El efecto es casi el que produce un relieve pero en dos dimensiones.




Como culminación de la larga búsqueda de una mezcla perfecta de forma y  color " Desnudos azules " representa una suerte de desenlace. Pero dado su originalidad desembocó en un nuevo comienzo para los sucesores de Matisse. Los artistas franceses de la década de 1960 como Vollat y los abstraccionistas estadounidenses , como Rotho , constituyeron sobre esos cimientos y fueron  aclamados por derecho propio


Mercedes Tamara
14-07-2014

domingo, 13 de julio de 2014

COLLIURE ANDRÉ DERAIN

COLLIURE 1905
Colliure
óleo sobre lienzo 60x 73,5 cm
National Gallery of Modern Art, Edimburgo





André Derain ( 1880-1954 ) creció en la pequeña población francesa de Chatou, en las afueras de París. Veinte años después compartió estudios con Maurice de Vlamick. Los dos pintores se influyeron mutuamente , utilizando una paleta brillante similar , aplicada con toscos manchones de color para obtener los efectos de luz en sus  plasmaciones del paisaje mediterráneo. Colliure fue terminada en el verano de 1905, después de que Derain se licenciara del ejército.




En este puerto del sur de Francia , el artista que trabajó junto a Matisse , preparó su lienzo con pintura blanca antes de aplicar un apretado mosaíco de colores brillantes, con el fin de lograr el efecto de la luz brillante que no arroja sombras. Derain , ya ducho en pintura neoimpresionista , utilizó las teorías sobre el color de artistas como Seurat para combinar los efectos de la composición artificial en colores intensos  con realismo.




Más adelante el marchante Ambroise Voillard compró la obra y , fue expuesta en el  Salón de Otoño junto con cuadros de Matisse, Vlamick y otros. Como grupo fueron  bautizados entonces como la Cage aux fauves, debido al uso " salvaje " del color. Esto señaló el nacimiento del fauvismo




Mercedes Tamara
13-07-2014

jueves, 10 de julio de 2014

CAMINO CON UNOS HOMBRES ANDANDO, UNA CARRETA, UN CIPRÉS, UNA ESTRELLA Y LA LUNA EN CUARTO CRECIENTE VAN GOGH

CAMINO CON UNOS HOMBRES ANDANDO, UNA CARRETA, UN CIPRÉS, UNA ESTRELLA Y LA LUNA EN CUARTO CRECIENTE 1890
  CAMINO CON UNOS HOMBRES ANDANDO, UNA CARRETA, UN CIPRÉS, UNA ESTRELLA
Y LA LUNA EN CUARTO CRECIENTE 
óleo sobre lienzo 91 x 71 cm
Museo Kröller-Muller, Otterlo


Vicent van Gogh vivió y trabajó en Arles, sur de Francia , de febrero de 1888 a mayo de 1889. El experimento de compartir el trabajo diario con un colega de profesión, Paul Gauguin, resultó ser catastrófico en el terreno emocional . Aunque ambos eran iguales en términos de sensibilidad , a Van Gogh le resultaba difícil soportar el acusado ego y la personalidad dominante de Gauguin. Este último llegó a Arles en octubre de 1888 y se marchó dos meses después, en diciembre, tras una brutal pelea, En 1889, tras ser ingresado un tiempo en el hospital de Arles , Van Gogh quiso internarse en un sanatorio situado en las proximidades de Saint- Rémy y su estancia duró un año. Tras una breve temporada en Auvers-sur-Oise, el cuidado del médico Paul Gauchet , Van Gogh se suicidó de un disparo el 27 de julio de 1890.

Camino con unos hombres andando, una carreta, un ciprés , una estrella y la luna en cuarto creciente . Van Gogh comentó lo siguiente acerca de esta obra de título tan largo : " Todavía tengo un ciprés con una estrella de allí ( una noche con una luna sin resplandor, el fino creciente apenas emergiendo de la opaca sombra que proyecta la tierra ) una estrella con un exagerado brillo rosa y verde en el cielo ultramarino, por el que pasan unas nubes apresuradas. Debajo, un camino flanqueado de amarillas cañas ...una vieja posada con ventanas iluminadas de amarillo y un ciprés muy alto, muy recto, muy sombrío. En el camino, una carreta amarilla con un caballo blanco enjaezados y dos caminantes tardíos. Muy romántico escribió Van Gogh en una carta a Gauguín.

Los médicos del psiquiátrico de Saint- Rémy instalaron a Van Gogh en una habitación, que podía utilizar de estudio y el artista se dedicó a pintar con gran dedicación. Es obvio, que su obra sufrió algunos cambios tras la ruptura con Gauguin. Una nueva energía muy distinta a la anterior ; se apoderó de sus lienzos. Y eso puede advertirse, sobre todo , en sus paisajes. Las pinceladas más contenidas de obras como Los Alycamps ( 1888 ) son sustituidas por unos arabescos pictóricos azotados por el viento y unos bucles de pintura parecidos a llamas que se elevan hacía lo alto y dan un terrorífico aire impredecible y cuadros como La noche estrellada y Un sendero por la quebrada, ambos realizados en Saint- Rémy en 1889.

La sensación que provoca su obra es de inquietud cósmica, a pesar de la intención manifiesta del artista de representar una natuiraleza tranquila . Por esta razón ,es tan reveladora su descripción de Camino con unos hombres andando, una carreta, un ciprés , una estrella y la luna en cuarto creciente . Durante la mayor parte de su vida, Van Gogh había seguido y extraído una energía creativa del " inmenso disco amarillo-limón del sol -pero en sus últimas composiciones , parece que cambió la fijación solar por la luna y las estrellas . El sol ya no brilla, ni siquiera para iluminar a la luna, que describe en un estado de eclipse . Solo una estrella conserva su brillo . El sol ha abandonado el cielo. La noche parece haber domeñado el día. En algunos de sus últimos paisajes , incluso el color del mediodía aparece pintado de azul oscuro, casi tinta.


Mercedes Tamara
10-07-2014