miércoles, 23 de julio de 2014

ODALISCA CON PANTALÓN ROJO HENRI MATISSE

ODALISCA CON PANTALÓN ROJO 1921
Odalisca con pantalón rojo
óleo sobre lienzo 65 x 90 cm
París, Centre Georges Pompidou







Odalisca con pantalón rojo 
pertenece a la primera temporada pasada por Matisse en el apartamento situado en el tercer piso del nª 1 de la place Charles- Felix de Niza, que el artista alquila a partir de septiembre de 1921, y en el que residirá hasta finales de 1926. Desde su primera estancia en Niza en diciembre de 1917, había vivido siempre en habitaciones de hotel, pintando en un decorado impuesto, precario y ordinario , pero a este tercer piso había empezado a añadirle algunos objetos personales . El otoño de 1921 marca, por lo tanto, una voluntad de instalación a largo plazo , cuando no permanente y el artista adopta de inmediato medidas para instalar su actividad pictórica en un estudio dispuesto de manera muy especial , con carácter teatral , en consonancia con lo que buscaba en aquel momento. Jack Cowart, organizador junto con Dominique Fourcade de la primera exposición dedicada al primer período iniciado por Matisse ( 1918-1930 ) lo describe así : "Había dos estudios en la parte delantera, que daban al mar . El más grande. que tenía dos ventanas y una chimenea , servía de estudio principal para la pintura y el dibujo. Estaba tapizado con un papel de motivos extraños , muy recargados . También tenía el techo pintado al fresco . Más tarde, Matisse recargaría aún más la decoración al colgar sus propias pinturas y dibujos espejos, reproducciones de dibujos de Miguel Angel e incluso objetos de su colección personal: máscaras , sargas y pinturas, especialmente de Gustave Coubert.




Utilizaba entonces grandes bastidores desmontables sobre los que extendía las telas decorativas que escogía para sus fondos. En realidad, en aquel espacio se había fabricado los elementos de un auténtico teatro desmontable . En la habitación más grande , con sus decorados, sus modelos y su vestuario , podía concentrarse en el interior o bien, por el contrario, mirar hacía fuera, hasta el mercado de Cours Saleya, la bahía de los Angeles o la linea de los tejados del Quai des Etats-Unis, cuando optaba por situar modelos o naturalezas muertas cerca de las ventanas.




La modelo de Odalisca con pantalón rojo es Hen. riette Darricarrére , a quien Matisse había conocido el año anterior en los estudios de la Victoire , donde ejercía de bailarina . La presencia de Henriette , que posó para Matisse de 1920 a 1927 ,domina el período nizardo del pintor . La modelo se integró a la perfección en el dispositivo transformante inventado por Matisse , gracias a su capacidad teatral , de adaptarse a cada nueva situación visual ( pose, vestuario y decoración ) y de integrar toda clase de papeles : muy a menudo de odalisca voluptuosa y soñadora, pero también de chica modosa que toca el piano o el violín o que hace picnic en los alrededores de Niza , cuando no de elegante lectora.




El espacio que rodea a la Odalisca de pantalón rojo , se encuentra completamente atestado y se ha vuelto prácticamente sofocante, debido a la densidad de la decoración y del color. No hay ventana, ni siquiera la apariencia de una luz procedente del exterior : " Es precisamente el abigarramiento de colores lo que aglutina el conjunto y produce la luz de la estructura , el sentido " Una luz falta de aire . Un estudio a pluma para esta Odalisca se reprodujo en algunas revistas. Postura, accesorios y decoración son los mismos . La única diferencia que cabe destacar es que, en el estudio, el suelo está cubierto por una alfombra de flores grandes , reemplazada en el cuadro por un plano único rojo , un rojo simplificador ,pero que sirve también para realzar la nacarada piel de la odalisca







Mercedes Tamara
23-07-2014

jueves, 17 de julio de 2014

PUERTO DE CAMARTE EUGENE BOUDIN

PUERTO DE CAMARTE 1877
Puerto de Camaret
Puerto de Camaret
óleo sobre lienzo 55,5X 89,,5 cm
Paris, Museo de Orsay





Boudin acude para pintar a Camaret, en Bretaña, cada año de 1870 a 1873 y posteriormente realiza aquí algunas estancias episódicas. Se dedica a plasmar la luz del puerto, su atmósfera nublada y móvil, tersa y cambiante. Aquí, la claridad de las casas, enfocadas con violencia, se opone al aspecto oscuro del mar y de los veleros.

Fiel a su apodo de "rey de los cielos" que le otorgó Corot, Boudin reserva el mayor espacio al cielo y a las nubes. El artista, por otro lado, tiene costumbre de estudiar detenidamente estos elementos al pastel y habla de ello en sus apuntes: "Nadar en el cielo; llegar hasta la "ternura" de la nube. Suspender estas masas en el fondo, muy en la lejanía en la bruma gris...".

Un agua a penas arrugada por la brisa marina refleja el movimiento del cielo. Los reflejos fugaces y flotantes están sugeridos mediante una pincelada ligera, en una armonía matizada de tonos de grises, azules y verdes. Finalmente, solo la presencia de los pescadores, cuyas siluetas se destacan en contraluz,  proporciona un contrapunto a la inmensidad de los cielos.

Mercedes Tamara
17-07-2014

miércoles, 16 de julio de 2014

BAÑISTAS EN ASNI8ÈRES GEORGES SEURAT

BAÑISTAS EN ASNI8ÈRES 1804
Bañistas en Asnières
óleo sobre lienzoi 201 x300 cm
National Gallery, Londres

Las imágenes de trabajadores humildes solían ser más comunes en pinturas de género de pequeño formato, pero en este primer trabajo a gran escala de Georges Seurat ( 1859-1891) estos sencillos trabajadores relajándose al sol junto al Sena ostentan una monumental grandeza subversiva. 

El Salón de París de 1884 rechazó la obra que, en su lugar , se expuso en el Salón de los Independientes, organizado por Seurat y otros artistas. Seurat fundó el neoimpresionismo , término acuñado por el crítico de arte Felix Fenéon ( quien compró este cuadro para definir el movimiento artístico que provenía del impresionismo pero que también reaccionaba contra el mismo.

Los artistas impresionistas y neoimpresionistas se asemejaban por ejemplo en el interés por la luz y el color o en el hecho de que pintaban la vida moderna. Pero mientras que los primeros como Monet intentaban capturar el momento fugaz, Seurat se esforzaba por plasmar un momento convertido en eterno. La geometría formal y la quietud de este cuadro recuerdan a la pintura del maestro renacentista Piero della Francesca. Fascinado por las teorías contemporáneas sobre el color, Seurat desarrolló una técnica denominada puntillismo, consistente en aplicar cuidadosa y sistemáticamente pequeños puntos de color puro sobre el lienzo, de tal modo que es la mirada del observador la que mezcla y funde los colores.

Esta técnica ha sido empleada en varias zonas de la tela, como en el gorro rojo del bañista situado en primer plano. La técnica fue adoptada por los pintores Paul Signac y Camile Pissarro e influyó en otros artistas como Vicent van Gogh.


Mercedes Tamara
16-07-2014

lunes, 14 de julio de 2014

DESNUDO AZU LIII HENRI MATISSE

DESNUDO AZULIII HENRI MATISSE


DESNUDO AZUL III 1952-1953
Desnudo azul III
guache sobre papel 113x 73
Musée National d´Art Moderne , Paris







La serie " Desnudos azules " compuesta por cuatro obras y creada por Henri Matisse ( 1869- 1934)  durante el período comprendido entre 1952 y 1954 surgió de una combinación de tradición y experimentación. Desnudo azul III representa  un paso hacía la abstracción , si bien aún se reconoce la forma humana. El color azul significaba distancia y volumen para Matisse .




Fustrado en sus tentativas de conseguir maridar tonos dominantes y contrastados , el artista utilizó al principio bloques de color sólido de un único tono. Las formas recortadas y pintadas de guache que componen la serie "Desnudos azules "se inspiraba en la colección de escultura africana de Matisse y en una visita que realizó a Tahití en 1930. Tras veinte años, Matisse sintetizó aquellas influencias en esta serie.




El artista descubrió en el proceso de ensamblar formas recortadas de guache pintando una técnica mucho más manejable que la de trabajar directamente con pintura sobre el lienzo. Denominó a este proceso " Dibujo con papel " y la definición de la figura se encuentra en los intersicios de los recortes. El efecto es casi el que produce un relieve pero en dos dimensiones.




Como culminación de la larga búsqueda de una mezcla perfecta de forma y  color " Desnudos azules " representa una suerte de desenlace. Pero dado su originalidad desembocó en un nuevo comienzo para los sucesores de Matisse. Los artistas franceses de la década de 1960 como Vollat y los abstraccionistas estadounidenses , como Rotho , constituyeron sobre esos cimientos y fueron  aclamados por derecho propio


Mercedes Tamara
14-07-2014

domingo, 13 de julio de 2014

COLLIURE ANDRÉ DERAIN

COLLIURE 1905
Colliure
óleo sobre lienzo 60x 73,5 cm
National Gallery of Modern Art, Edimburgo





André Derain ( 1880-1954 ) creció en la pequeña población francesa de Chatou, en las afueras de París. Veinte años después compartió estudios con Maurice de Vlamick. Los dos pintores se influyeron mutuamente , utilizando una paleta brillante similar , aplicada con toscos manchones de color para obtener los efectos de luz en sus  plasmaciones del paisaje mediterráneo. Colliure fue terminada en el verano de 1905, después de que Derain se licenciara del ejército.




En este puerto del sur de Francia , el artista que trabajó junto a Matisse , preparó su lienzo con pintura blanca antes de aplicar un apretado mosaíco de colores brillantes, con el fin de lograr el efecto de la luz brillante que no arroja sombras. Derain , ya ducho en pintura neoimpresionista , utilizó las teorías sobre el color de artistas como Seurat para combinar los efectos de la composición artificial en colores intensos  con realismo.




Más adelante el marchante Ambroise Voillard compró la obra y , fue expuesta en el  Salón de Otoño junto con cuadros de Matisse, Vlamick y otros. Como grupo fueron  bautizados entonces como la Cage aux fauves, debido al uso " salvaje " del color. Esto señaló el nacimiento del fauvismo




Mercedes Tamara
13-07-2014

jueves, 10 de julio de 2014

CAMINO CON UNOS HOMBRES ANDANDO, UNA CARRETA, UN CIPRÉS, UNA ESTRELLA Y LA LUNA EN CUARTO CRECIENTE VAN GOGH

CAMINO CON UNOS HOMBRES ANDANDO, UNA CARRETA, UN CIPRÉS, UNA ESTRELLA Y LA LUNA EN CUARTO CRECIENTE 1890
  CAMINO CON UNOS HOMBRES ANDANDO, UNA CARRETA, UN CIPRÉS, UNA ESTRELLA
Y LA LUNA EN CUARTO CRECIENTE 
óleo sobre lienzo 91 x 71 cm
Museo Kröller-Muller, Otterlo


Vicent van Gogh vivió y trabajó en Arles, sur de Francia , de febrero de 1888 a mayo de 1889. El experimento de compartir el trabajo diario con un colega de profesión, Paul Gauguin, resultó ser catastrófico en el terreno emocional . Aunque ambos eran iguales en términos de sensibilidad , a Van Gogh le resultaba difícil soportar el acusado ego y la personalidad dominante de Gauguin. Este último llegó a Arles en octubre de 1888 y se marchó dos meses después, en diciembre, tras una brutal pelea, En 1889, tras ser ingresado un tiempo en el hospital de Arles , Van Gogh quiso internarse en un sanatorio situado en las proximidades de Saint- Rémy y su estancia duró un año. Tras una breve temporada en Auvers-sur-Oise, el cuidado del médico Paul Gauchet , Van Gogh se suicidó de un disparo el 27 de julio de 1890.

Camino con unos hombres andando, una carreta, un ciprés , una estrella y la luna en cuarto creciente . Van Gogh comentó lo siguiente acerca de esta obra de título tan largo : " Todavía tengo un ciprés con una estrella de allí ( una noche con una luna sin resplandor, el fino creciente apenas emergiendo de la opaca sombra que proyecta la tierra ) una estrella con un exagerado brillo rosa y verde en el cielo ultramarino, por el que pasan unas nubes apresuradas. Debajo, un camino flanqueado de amarillas cañas ...una vieja posada con ventanas iluminadas de amarillo y un ciprés muy alto, muy recto, muy sombrío. En el camino, una carreta amarilla con un caballo blanco enjaezados y dos caminantes tardíos. Muy romántico escribió Van Gogh en una carta a Gauguín.

Los médicos del psiquiátrico de Saint- Rémy instalaron a Van Gogh en una habitación, que podía utilizar de estudio y el artista se dedicó a pintar con gran dedicación. Es obvio, que su obra sufrió algunos cambios tras la ruptura con Gauguin. Una nueva energía muy distinta a la anterior ; se apoderó de sus lienzos. Y eso puede advertirse, sobre todo , en sus paisajes. Las pinceladas más contenidas de obras como Los Alycamps ( 1888 ) son sustituidas por unos arabescos pictóricos azotados por el viento y unos bucles de pintura parecidos a llamas que se elevan hacía lo alto y dan un terrorífico aire impredecible y cuadros como La noche estrellada y Un sendero por la quebrada, ambos realizados en Saint- Rémy en 1889.

La sensación que provoca su obra es de inquietud cósmica, a pesar de la intención manifiesta del artista de representar una natuiraleza tranquila . Por esta razón ,es tan reveladora su descripción de Camino con unos hombres andando, una carreta, un ciprés , una estrella y la luna en cuarto creciente . Durante la mayor parte de su vida, Van Gogh había seguido y extraído una energía creativa del " inmenso disco amarillo-limón del sol -pero en sus últimas composiciones , parece que cambió la fijación solar por la luna y las estrellas . El sol ya no brilla, ni siquiera para iluminar a la luna, que describe en un estado de eclipse . Solo una estrella conserva su brillo . El sol ha abandonado el cielo. La noche parece haber domeñado el día. En algunos de sus últimos paisajes , incluso el color del mediodía aparece pintado de azul oscuro, casi tinta.


Mercedes Tamara
10-07-2014

domingo, 6 de julio de 2014

EL CAFÉ NOCTURNO VICENT VAN GOGH

EL CAFÉ NOCTURNO 1888
El café nocturno
óleo sobre tela 70 x 89 cm
Galería de Arte de la Universidad de Yale, Nueva York







Vicent van Gogh nació en Groot- Zundert, Holanda. A los dieciséis años, entró a trabajar para los comerciantes de arte Groupil& Cie, compañía emblemática de La Haya y posteriormente de Londres y París. Sin embargo, lo despidieron en 1876 y, a raíz de ello, Van Gogh pasó una larga temporada sumido en una indecisión que solo truncó por momentos un intenso sentimiento religioso " una angustia del alma ".Tras un período en el que cursó teología en Amsterdam , en 1878 , se instaló en la zona minera de Borinage, en Bélgica, como ministro eclesiástico con diversas parroquias a su cargo.


Al cabo de un tiempo sufrió una crisis nerviosa, y tras otro intenso período de autoanálisis , Van Gogh decidió dejar el ministerio y convertirse en pintor . En 1881, regresó a La Haya para que le diera clases de arte un primo político suyo, el pintor académico Anton Mauve . Se mudó a París en 1886 y entró en el estudio de Fernand Cormon, donde conoció a Henri de Toulousse-Lautrec y a Emile Bernard.



La polémica desatada a raíz de la invención de Seurat del puntillismo empezaba a cobrar fuerza y Van Gogh tomó partido por los progresistas Seurat y Paul Signac. En 1888, Van Gogh decidió mudarse a Arles , sur de Francia y Gauguín fue a reunirse con él unos meses después. Durante el tiempo que vivió en París, Van Gogh frecuentó a Signac para aprender la teoría puntillista y realizó unas cuantas pinturas poniendo en práctica este método, en especial su Interior del restaurante , obra realizada en 1887. Sin embargo, no tardó en darse cuenta de que este enfoque tan metódico nada tenía que ver con su temperamento y, al cabo de un año en Arles pintó El café nocturno . En muchos sentidos, la pintura es la antitesis de la obra de Seurat. Mientras que el pintor francés intentaba vestir con una nueva arquitectura teórica completamente controlada y los hallazgos que los impresionistas habían conquistado pintando al aire libre, el enfoque y el método que Van Gogh empleó en El café nocturno es desvergonzadamente expresionista . Es más, a primera vista su empleo del color parece más deudor del simbolismo de Emile Bernard y de Paul Gauguín que de cualquier otro estilo . Van Gogh empezaba a ver el color como un aspecto profundamente emotivo de la pintura y una fuente de energía psíquica extraordinaria. Por eso, en manos de Van Gogh , el interior del café nocturno de Arles, con su perspectiva forzada y algo enloquecida, y el entrechoque y el clamor desbocados de los colores primitivos, es sin duda un lugar donde fácilmente uno puede volverse loco.


Es un cuadro salvaje e inflexible , muy diferente en su sentimiento de la representación que hizo Gauguín del mismo tema. Ahora bien, en realidad ¿ transgrede tanto los límites de la razón como parece ? . Una lectura más detenida del cuadro demuestra, que , lejos de ignorar lo que había aprendido de Signac y Seurat, Van Gogh no sólo utilizó sus conocimientos sobre la teoría del color para determinar el eje principal rojo y verde de la pintura ( en términos chevreulianos, el eje de la máxima energía del color ) , sino que también recurrió al color discordante en su composición . Unos amarillos sulfurosos y oscurecidos y unos naranjas incendiados están jaspeados de verdes emblanquecidos, azules y violetas; los verde aceituna han recibido el impacto del turquesa intenso.

Mercedes Tamara
6-07-2014